Tom Scott • Best Of The GRP Years

 

Review
by Matt Collar
The single-disc Tom Scott collection Masterpieces: Best of the GRP Years brings together tracks the influential smooth jazz saxophonist recorded during his time with GRP in the '80s and '90s. These are fluid and soulful crossover recordings culled from both live and studio albums.
https://www.allmusic.com/album/masterpieces-best-of-the-grp-years-mw0002504751

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Reseña
por Matt Collar
La colección de un solo disco de Tom Scott, Masterpieces: Best of the GRP Years reúne temas que el influyente saxofonista de smooth jazz grabó durante su etapa con GRP en los años 80 y 90. Son grabaciones fluidas y conmovedoras extraídas de álbumes en vivo y de estudio.
https://www.allmusic.com/album/masterpieces-best-of-the-grp-years-mw0002504751

Doc Severinsen • Brand New Thing

 

Review from AllMusic:
Here is an overlooked gem from a most unlikely source, recorded in a most unlikely genre -- commercial 1970s jazz-funk. No one expected the loudly-dressed bandleader of The Tonight Show to put out a fusion album like Brand New Thing in 1977, and as a result it never found the audience it richly deserved. Produced by Tom Scott, who was riding high on his L.A. Express work and the Starsky & Hutch theme, the album features a stellar cast of session players: Richard Tee on keyboards, Eric Gale and Lee Ritenour on guitars, Anthony Jackson on bass, Rick Marotta on drums and Ralph MacDonald on percussion. Severinsen grooves comfortably on the up-tempo pieces without ever dominating them, letting his accompanists provide the variety, while on ballads like "Soft Touch" his focus on melody over technique is exactly what is called for. Brand New Thing is not only a very good fusion album, it is a very good jazz album and certainly one of Doc Severinsen's very best.
https://www.allmusic.com/album/brand-new-thing-mw0000944653

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Resena de AllMusic:
Aqui hay una joya pasada por alto de la fuente mas improbable, grabada en el genero mas improbable: el jazz-funk comercial de los anos 70. Nadie esperaba que el llamativo director de la banda de The Tonight Show publicara un album de fusion como Brand New Thing en 1977, y como resultado nunca encontro el publico que merecia. Producido por Tom Scott, que estaba en la cima por su trabajo con L.A. Express y el tema de Starsky & Hutch, el album presenta un elenco estelar de musicos de estudio: Richard Tee en teclados, Eric Gale y Lee Ritenour en guitarras, Anthony Jackson en bajo, Rick Marotta en bateria y Ralph MacDonald en percusion. Severinsen se desenvuelve comodamente en los temas de tempo rapido sin nunca dominarlos, dejando que sus acompanantes aporten la variedad, mientras que en baladas como "Soft Touch" su enfoque en la melodia sobre la tecnica es exactamente lo que se necesita. Brand New Thing no es solo un muy buen album de fusion, es un muy buen album de jazz y sin duda uno de los mejores de Doc Severinsen.
https://www.allmusic.com/album/brand-new-thing-mw0000944653

Tom Scott • Intimate Strangers

 

Biography
by Scott Yanow
Since he was a teenager, Tom Scott has been consistent, a talented multi-reedist with little or no interest in playing creative jazz. His mother was a pianist and father a composer. Scott early on became a studio musician and arranger. Able to play most reeds with little difficulty, Scott performed with the Don Ellis and Oliver Nelson bands, and his L.A. Express became one of the most successful pop-jazz groups of the 1970s. Associations with Joni Mitchell, Carole King, and George Harrison were just a few of his successful assignments in the pop world and, although his 1992 GRP release Born Again was surprisingly inventive, it was a one-time departure from crossover.
https://www.allmusic.com/artist/tom-scott-mn0000934350/biography

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Biografía

por Scott Yanow

Desde su adolescencia, Tom Scott ha sido constante, un talentoso multireedista con poco o ningún interés en tocar jazz creativo. Su madre era pianista y su padre compositor. Scott se convirtió muy pronto en músico de estudio y arreglista. Capaz de tocar la mayoría de las cañas con poca dificultad, Scott actuó con las bandas de Don Ellis y Oliver Nelson, y su L.A. Express se convirtió en uno de los grupos de pop-jazz más exitosos de la década de 1970. Las asociaciones con Joni Mitchell, Carole King y George Harrison fueron sólo algunos de sus exitosos encargos en el mundo del pop y, aunque su lanzamiento de 1992 de GRP, Born Again, fue sorprendentemente inventivo, se apartó por una sola vez del crossover.
https://www.allmusic.com/artist/tom-scott-mn0000934350/biography

www.tomscottmusic.com ...

VA • Jazz Rock - Verve 50

 

Tom Scott • Great Scott!

 

Review
by Scott Yanow
This was one of Tom Scott's strongest albums of his career. Although there are commercial elements to the music, Scott is heard throughout in prime form, and several of the numbers are quite memorable. Scott roars on tenor during his catchy "Lookin' Out for Number Seven," and plays lyrical flute on Joni Mitchell's "Woodstock," and digs into John Coltrane's "Dahomey Dance." Among the notable sidemen are guitarist Howard Roberts, keyboardist Mike Wofford and guitarist Larry Carlton. On this album (which unfortunately is long out of print), Tom Scott for once perfectly balances the artistic and commercial aspects of his music and comes out with a near-classic offering.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

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Reseña
por Scott Yanow
Este es uno de los discos más sólidos de la carrera de Tom Scott. Aunque hay elementos comerciales en la música, se escucha a Scott en plena forma, y varios de los números son bastante memorables. Scott ruge con el tenor en su pegadiza "Lookin' Out for Number Seven", toca la flauta lírica en "Woodstock" de Joni Mitchell y se adentra en "Dahomey Dance" de John Coltrane. Entre los músicos de acompañamiento destacan el guitarrista Howard Roberts, el teclista Mike Wofford y el guitarrista Larry Carlton. En este álbum (desgraciadamente descatalogado desde hace tiempo), Tom Scott logra por una vez un equilibrio perfecto entre los aspectos artísticos y comerciales de su música y presenta una obra casi clásica.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

Steve Khan • ALiveMutherForYa

 

Review by Scott Yanow
Drummer Billy Cobham is heard on this live set heading an all-star quintet also including Tom Scott on tenor, soprano and lyricon, keyboardist Mark Soskin, guitarist Steve Khan and electric bassist Alphonso Johnson. Although the music is mostly funky and uses plenty of electronics (Scott sounds quite faceless on lyricon), there are some strong solos, particularly from Khan and Scott (when he is on tenor). The six group originals are highlighted by "Bahama Mama," "Some Punk Funk" and "On a Magic Carpet Ride." Due to the amount of variety and spontaneity, Alivemutherforya is superior to most of these musicians' individual projects of the era. https://www.allmusic.com/album/alivemutherforya-mw0000528872

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Reseña de Scott Yanow
El baterista Billy Cobham es escuchado en este directo al frente de un quinteto de estrellas que también incluye a Tom Scott al tenor, soprano y lyricon, el teclista Mark Soskin, el guitarrista Steve Khan y el bajista eléctrico Alphonso Johnson. Aunque la música es sobre todo funky y utiliza mucha electrónica (Scott suena sin rostro en el lírico), hay algunos solos potentes, sobre todo de Khan y Scott (cuando toca el tenor). Entre los seis temas originales del grupo destacan «Bahama Mama», «Some Punk Funk» y «On a Magic Carpet Ride». Debido a la cantidad de variedad y espontaneidad, Alivemutherforya es superior a la mayoría de los proyectos individuales de estos músicos de la época. https://www.allmusic.com/album/alivemutherforya-mw0000528872

www.stevekhan.com ...

Bizarre Discotheque - Tom Scott • The Honeysuckle Breeze

 

Review
by Scott Yanow
Tom Scott's debut recording as a leader (he was 19 at the time) set the "standard" for much of his solo career. The ten selections on this obscure and long-out-of-print Impulse LP match Scott with a rather mundane nine-piece vocal group called the California Dreamers. The dated effects (Bill Plummer's sitar, the electronic devices on Scott's tenor, alto and soprano, and the primitive electric keyboards), weak material (mostly current pop tunes including the Beatles' "She's Leaving Home," Donovan's "Mellow Yellow" and Joan Baez's "North"), and the brevity of the performances (clocking in between 2:14 and 4:30) make this a rather forgettable commercial record. Only of historical interest.
https://www.allmusic.com/album/the-honeysuckle-breeze-mw0000897408

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Reseña
por Scott Yanow
La primera grabación de Tom Scott como líder (tenía 19 años en ese momento) estableció el "estándar" para gran parte de su carrera en solitario. Las diez selecciones de este oscuro y largamente agotado LP de Impulse emparejan a Scott con un grupo vocal de nueve piezas bastante mundano llamado California Dreamers. Los efectos anticuados (el sitar de Bill Plummer, los dispositivos electrónicos en el tenor, el alto y el soprano de Scott, y los primitivos teclados eléctricos), el material débil (en su mayoría temas pop actuales, como "She's Leaving Home" de los Beatles, "Mellow Yellow" de Donovan y "North" de Joan Baez) y la brevedad de las interpretaciones (que oscilan entre 2:14 y 4:30) hacen de éste un disco comercial bastante olvidable. Sólo tiene interés histórico.
https://www.allmusic.com/album/the-honeysuckle-breeze-mw0000897408

Billy Cobham • Alivemutherforia

 

www.billycobham.com ...

Howard Roberts • The Magic Band Live At Donte's

 

 

 

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

Howard's studio career has to be one of the most prolific ever. He played rhythm guitar, lead guitar, bass and even mandolin on an incredible number of television and movie projects. He also backed jazz, pop, country and rock 'n roll artists, and was heard on thousands of records over his career.

But Howard wasn't just a first call studio musician. Beginning in the late 60's Howard's interest in studio work diminished. He began to travel and hold guitar seminars all around the country. Howard had a genuine talent for teaching and curriculum development, a talent he shared with his wife Patty. This interest/talent led to the founding of a school for guitarists: GIT (The Guitar Institute of Technology). He also established Playback Publishing and wrote several books as part of a structured guitar music curriculum. And if that wasn't enough, for several years Howard wrote a monthly column (”Jazz Improvisation”) for Guitar Player magazine.

Howard had already recorded under his own name on at least one other label (Verve Records) before he signed with Capitol Records. Prior to that (circa 1955) he recorded at least two records as part of pianist/song stylist Bobby Troup's band on the Bethlehem label. “Color Him Funky,” and “H.R. is a Dirty Guitar Player” are the first two albums Howard recorded for Capitol, and were recorded within a few months of each other in 1963. The outstanding rhythm section is the same on both dates - Chuck Berghofer on bass and Earl Palmer on drums. Paul Bryant and Burkley Kendrix are on organ.

Most of Howard Roberts' recordings through the years, particularly a long string for Capitol in the ‘60’s and into the ‘70’s were quite commercial, featuring brief versions of current pop tunes. He did some good work with The Magic Band on some live recordings at Donte’s in Los Angeles that showed hints of what he could do. A versatile studio player, Roberts finally had an opportunity in 1977 to record some no-nonsense, straight-ahead jazz. “The Real Howard Roberts,” was a stand out, with a good band behind him interpreting jazz standards.

Howard Roberts died June 28, 1992

Howard Roberts is a member of the prestigious Gibson Hall of Fame. His guitars, personally designed and marketed by Gibson, are the H.R. Custom, with is arch top and oval hole combining classic-acoustic and electric guitars, and the newer H.R. Fusion model.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Empezó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en el área de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió mudarse a Los Ángeles, y a través del trabajo duro y la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y comenzó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, incluyendo a Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto llevó a un trabajo con Bobby Troup y hacia 1956 a un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Al mismo tiempo que firmaba con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación y estudio, trabajo que haría casi sin parar hasta principios de los 70.

La carrera de Howard en el estudio tiene que ser una de las más prolíficas de la historia. Tocó la guitarra rítmica, la guitarra solista, el bajo e incluso la mandolina en un número increíble de proyectos de televisión y cine. También apoyó a artistas de jazz, pop, country y rock 'n roll, y se le escuchó en miles de discos a lo largo de su carrera.

Pero Howard no era sólo un músico de estudio de primera llamada. A partir de finales de los 60, el interés de Howard por el trabajo en el estudio disminuyó. Empezó a viajar y a dar seminarios de guitarra por todo el país. Howard tenía un genuino talento para la enseñanza y el desarrollo de planes de estudio, un talento que compartía con su esposa Patty. Este interés/talento llevó a la fundación de una escuela para guitarristas: GIT (El Instituto Tecnológico de la Guitarra). También estableció Playback Publishing y escribió varios libros como parte de un currículo estructurado de música para guitarra. Y por si fuera poco, durante varios años Howard escribió una columna mensual ("Jazz Improvisation") para la revista Guitar Player.

Howard ya había grabado bajo su propio nombre en al menos otro sello (Verve Records) antes de firmar con Capitol Records. Antes de eso (alrededor de 1955) grabó al menos dos discos como parte de la banda del pianista y estilista de canciones Bobby Troup en el sello Bethlehem. "Color Him Funky" y "H.R. is a Dirty Guitar Player" son los dos primeros discos que Howard grabó para Capitol, y se grabaron con pocos meses de diferencia en 1963. La sección rítmica destacada es la misma en ambas fechas - Chuck Berghofer en el bajo y Earl Palmer en la batería. Paul Bryant y Burkley Kendrix están en el órgano.

La mayoría de las grabaciones de Howard Roberts a través de los años, en particular una larga cuerda para Capitol en los 60 y en los 70 fueron bastante comerciales, con breves versiones de temas pop actuales. Hizo un buen trabajo con The Magic Band en algunas grabaciones en vivo en Donte's en Los Ángeles que mostraban indicios de lo que podía hacer. Un versátil jugador de estudio, Roberts finalmente tuvo la oportunidad en 1977 de grabar algo de jazz sin tonterías. "El verdadero Howard Roberts", se destacó, con una buena banda detrás de él interpretando estándares de jazz.

Howard Roberts murió el 28 de junio de 1992

Howard Roberts es miembro del prestigioso Salón de la Fama de Gibson. Sus guitarras, personalmente diseñadas y comercializadas por Gibson, son las H.R. Custom, con su tapa arqueada y agujero ovalado que combina guitarras clásicas-acústicas y eléctricas, y el más reciente modelo H.R. Fusion.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

Otis Spann • Sweet Giant Of The Blues

Review

One of the classic bluesmen Bob Thiele signed to his Bluestime label in 1969, Otis Spann is best known as Muddy Waters' sideman, but in the '60s he often stepped into the spotlight himself. Sweet Giant of the Blues, a 1969 session for Bluestime released in 1970, is one of his very last albums -- he died at the age of 40 in April 1970, around the time this hit the stores -- and if it can't be called definitive, it's nevertheless a robust example of his gifts. Sweet Giant of the Blues isn't definitive because it is indeed tied to its time, like so many of Thiele's productions for Bluestime. He teamed Spann with younger players raised on blues and rock, giving the supporting musicians -- anchored by drummer Paul Humphrey and bassist Max Bennett, along with guitarist Louie Shelton but saxophonist/flutist Tom Scott often pops up -- lots of room to roam in solos and also grooves, letting the rhythms breathe in a way they never did on Muddy's sessions. This is loose and unpredictable in a predictable fashion, delving into a little bit of Latin beats and rhumba and a whole lot of rock & roll. Unlike the Turner record, this focuses on new songs -- many written by Spann, but Thiele co-wrote "Moon Blues" so slow it flirts with a dirge ("Bird in a Cage," another crawling 12-bar, in contrast, feels much livelier and not just due to the fuzz; the band digs down deep here) -- which makes Sweet Giant of the Blues feel contemporary in a very strict fashion; this is the music of the time, the point where tradition met hippie jams. As such, it now seems somewhat dated -- particularly with regard to the fuzz and the elongated rhythms -- but Spann seems to seize the changes and enjoys playing with the band, never trying to play against his support. He's lively enough that it only winds up accentuating his early loss.

by Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/album/sweet-giant-of-the-blues-mw0000854593

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Revisar

Uno de los clásicos del blues Bob Thiele firmó con su sello Bluestime en 1969, Otis Spann es más conocido como el sideman de Muddy Waters, pero en los años 60 él mismo se puso a menudo en el punto de mira. Sweet Giant of the Blues, una sesión de 1969 para Bluestime publicada en 1970, es uno de sus últimos álbumes - murió a la edad de 40 años en abril de 1970, más o menos en el momento en que este llegó a las tiendas - y si no se puede llamar definitivo, es sin embargo un robusto ejemplo de sus dotes. Sweet Giant of the Blues no es definitivo porque de hecho está ligado a su época, como muchas de las producciones de Thiele para Bluestime. Se unió a Spann con músicos más jóvenes criados en el blues y el rock, dando a los músicos de apoyo - anclados por el baterista Paul Humphrey y el bajista Max Bennett, junto con el guitarrista Louie Shelton, pero el saxofonista/fluyente Tom Scott aparece a menudo - mucho espacio para vagar en los solos y también en los surcos, dejando que los ritmos respiren de una manera que nunca lo hicieron en las sesiones de Muddy. Esto es suelto e impredecible de una manera predecible, profundizando en un poco de ritmos latinos y rhumba y un montón de rock & roll. A diferencia del disco de Turner, este se centra en nuevas canciones -- muchas escritas por Spann, pero Thiele co-escribió "Moon Blues" tan lento que coquetea con un dirge ("Bird in a Cage", otro 12-bar arrastrándose, en contraste, se siente mucho más animado y no sólo debido a la pelusa; la banda cava en lo profundo aquí) -- lo que hace que Sweet Giant of the Blues se sienta contemporáneo de una manera muy estricta; esta es la música de la época, el punto donde la tradición se encontró con los atascos hippie. Como tal, ahora parece algo anticuada -- particularmente con respecto a la pelusa y los ritmos alargados -- pero Spann parece aprovechar los cambios y disfruta tocando con la banda, sin tratar nunca de tocar en contra de su apoyo. Es lo suficientemente animado como para que sólo acabe acentuando su temprana pérdida.

por Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/album/sweet-giant-of-the-blues-mw0000854593

Tom Scott • Bebop United

 

Biography
by Scott Yanow
Since he was a teenager, Tom Scott has been consistent, a talented multi-reedist with little or no interest in playing creative jazz. His mother was a pianist and father a composer. Scott early on became a studio musician and arranger. Able to play most reeds with little difficulty, Scott performed with the Don Ellis and Oliver Nelson bands, and his L.A. Express became one of the most successful pop-jazz groups of the 1970s. Associations with Joni Mitchell, Carole King, and George Harrison were just a few of his successful assignments in the pop world and, although his 1992 GRP release Born Again was surprisingly inventive, it was a one-time departure from crossover.
https://www.allmusic.com/artist/tom-scott-mn0000934350/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Desde su adolescencia, Tom Scott ha sido constante, un talentoso multireedista con poco o ningún interés en tocar jazz creativo. Su madre era pianista y su padre compositor. Scott se convirtió muy pronto en músico de estudio y arreglista. Capaz de tocar la mayoría de las cañas con poca dificultad, Scott actuó con las bandas de Don Ellis y Oliver Nelson, y su L.A. Express se convirtió en uno de los grupos de pop-jazz más exitosos de la década de 1970. Las asociaciones con Joni Mitchell, Carole King y George Harrison fueron sólo algunos de sus exitosos encargos en el mundo del pop y, aunque su lanzamiento de 1992 de GRP, Born Again, fue sorprendentemente inventivo, se apartó por una sola vez del crossover.
https://www.allmusic.com/artist/tom-scott-mn0000934350/biography


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